Хрупкие шедевры: почему надо идти на "Мастеров возрождения" в Третьяковку

В Третьяковской галерее открылась выставка "Мастера возрождения. Реставрация графики. 2010-2022". Восстановленные шедевры Серова, Ге, Нестерова, Ларионова давно не показывали публике. За десять лет профессионалы музея спасли несколько тысяч работ и разместили их в шести залах ГТГ. О том, как стирали рубашку Ларионова, кто поддержал Врубеля и что предпочитали рисовать женщины, — в материале РИА Новости.

Одна из самых любопытных работ кисти Ларионова 1915 года (всего в экспозиции их около 160) выставлена в зале смешанных техник: изображение Натальи Гончаровой — своеобразный парадный портрет эпохи футуризма.

Художница запечатлена в момент парижского триумфа: тогда она оформила для Дягилева балет "Золотой петушок" и мгновенно стала звездой.

По сути, это даже не картина, а hand-made панно или коллаж: Ларионов решил, что можно обойтись без холста, а историю нужно "делать" в прямом смысле. Поэтому собственноручно наклеил куски подлинных дягилевских афиш на фон, добавил фрагменты обоев, наждачную бумагу, опилки из мастерской — и дополнил тканью.

На место, где предполагалось изобразить одежду Гончаровой, мастер прикрепил кусок собственной рубашки. Это выглядит совершенно естественно.

"Рубашку Ларионова больше ста лет не стирали, она потемнела, а из-за поврежденного стекла пожухли обои и почернели афиши, — отмечает куратор Инна Соловова. — Беспрецедентный случай реставрации: нам пришлось работать на авторской основе, мы не могли отделить, "снять" оригинальные материалы. Восстанавливали на месте".

Финальный аккорд — настоящие волосы Гончаровой: Ларионов срезал прядь и прикрепил к холсту. Удивительно, что за век она не поменяла цвет, и теперь стала реликвией.

"Благодаря этому мы знаем, что Гончарова в жизни была яркой шатенкой", — уточняет куратор.

Есть и загадка: по одной теории, в правом верхнем углу работы Ларионов нарисовал автопортрет, но потом закрасил его. Если это так, то весьма символично, ведь Гончарова писала в дневниках: "Мы встретились и никогда больше не расставались".

По словам кураторов, обнаружить, есть ли там автопортрет, сейчас невозможно. Так что тайну предстоит разгадать будущим искусствоведам.

Работа, которую не удалось показать на недавней выставке Серова, — портрет Владимира фон Мекка, написанный в 1901 году.

Фон Мекк — человек, который купил картину "Демон поверженный" Врубеля после того, как ее отказался приобретать совет Третьяковской галереи в лице Серова и Остроухова.

Владимир увлекался искусством, брал уроки рисования у Серова, коллекционировал картины. Именно он посоветовал своему дяде Николаю, отвечавшему за строительство Казанского вокзала, взять Щусева на должность архитектора.

Символично, что незадолго до этого Щусев закончил работу над Марфо-Мариинской обителью. Ее патроном была великая княгиня Елизавета Федоровна, у которой Владимир фон Мекк служил секретарем.

Серов первым из русских художников стал позиционировать карандашный рисунок не как простой набросок, а как самостоятельное произведение.

На выставке можно сравнить интерпретации одних и тех же сюжетов.

"Когда говоришь "Демон", сразу возникает образ, написанный Врубелем, — говорит куратор Елизавета Горелышева. — Он прочувствовал этого героя более трагично, чем другие мастера".

Есть мнение, что Врубель полностью закрыл тему: немногие обращались к этому сюжету после него. Поэтому особенно интересно сравнить работы художников и понять эволюцию образа от Михаила Зичи и его иллюстрации к поэме Лермонтова до "Демона и Тамары" Валентина Серова.

Женщины занимались графикой наравне с мужчинами. Пожалуй, самая видная во всех смыслах работа на выставке — "Портрет неизвестной" Фредерики О`Коннель в массивной золотой раме.

На картине 1873 года, выполненной в технике пастели, изображена дама в голубом. Художница ирландского происхождения долгое время жила в России, а среди ее работ много парадных и салонных портретов.

"Нам важно было выставить это произведение в экспозиции, чтобы показать эволюцию портретного жанра, — поясняет Горелышева. — Само по себе стекло картины зеленоватое, оно придает изображению особую магию, необычный оттенок".

В конце XIX — начале XX века графика стала одним из видов русского изобразительного искусства — из-за желания экспериментировать, тем более материалы были недорогие. Выставка в Третьяковке интересна и тем, что показывает разные эпохи, они как бы знакомятся друг с другом.

Например, карандашные работы Рейхеля, Кустодиева и Шемякина соседствуют друг с другом — они из периода с 1817-го по 1902-й.

Зритель видит, как меняется отношение художника к карандашу: от аккуратных линий Карла Рейхеля до широких и свободных штрихов Шемякина.

Иногда не сразу понимаешь, что перед тобой карандашный рисунок, изображения напоминают и фотографии, и живописные произведения. И это символично: представленные в экспозиции работы погружают в мир грез, видений и фантазий.

Выставка "Мастера возрождения. Реставрация графики. 2010-2022" открыта по 13 ноября.

Источник: Риа Новости